Con un virtuosismo capaz de recrear paisajes con líneas difusas y un excelente uso del tiempo, de los vacíos y de los silencios, Jorque González nos hace participes de la lucha de los indios mapuches y tehuelches por conservar sus tierras, sus costumbres y su lengua, enfrentándose a la presión que los colonos ejercieron sobre sus poblaciones, obligándolos a retirarse de la tierra de sus ancestros y a olvidar sus orígenes y cultura. Siguiendo a los indios Onas y Tehuelches y a los colonos Julián y Roth nos empapamos de una historia particular que se transforma en universal gracias al excelente hacer de Jorge González. Para redondear un libro ya redondo el autor reflexiona, gracias a un hipotético encuentro ente el autor de un libro sobre la Patagonia y él mismo, sobre el hecho mismo de la creación y su reflejo en la obra que nos ocupa.

Finalmente cerramos el cómic con un sentimiento terrible de pérdida, de añoranza por aquella forma de vida natural y en comunión con la naturaleza, que los indios abandonaron bajo la presión de los colonos y el gobierno de aquellos nuevos habitantes, que buscaban aprovechar sus tierras y sus recursos. Indígenas que hoy en día intentan recuperar aquello que les hizo único e irrepetibles en el mundo. Maravilloso.

Otras opiniones:

Dear Patagonia, de Jorge González en La cárcel de papel

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Y digo que es una pena porque realmente lo que cuenta el cómic resulta interesante y mantiene la tensión narrativa, ya que narra el periplo vital y afectivo del primer bajista de The Beatles, cuando el grupo comenzó a tocar en garitos de mala muerte en el Berlín de los años sesenta y conoce a la artista alemana Astrid Kirchherr, con la que decidirá quedarse en Berlín a desarrollar su carrera como pintor y cómo, tras un tiempo de vida feliz, una enfermedad acabará con uno de los más prometedores artistas de la década.

Pero claro, nada tiene sentido si no sabes qué Beatle está hablando, si no distingues quién es el “partenaire” de las escenas de amor con Astrid, si no se marcan bien las transiciones del tiempo entre las diferentes secuencias, ni cuánto tiempo real ha transcurrido entre los diferentes momentos que se muestran. Es una verdadera pena porque realmente el cómic consigue reflejar el ambiente “underground” en el que se movieron The Beatles en aquellos primeros años y el estallido cultural  que supuso aquel periodo de tiempo para todas las artes, pero todo se pierde al tener que hacer tanto esfuerzo para entender la narración en su totalidad.

Más información:

Baby’s in black de Arne Bellstorf en rtve.es

Web official de Baby’s in black (en inglés)

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Baby’s in black  de Arne Bellstorf en Metropolis Libros

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La historia real de Minik, un niño esquimal que fue llevado desde su poblado inuit al Nueva York de 1897 por el explorador Robert Peary, es la impresionante historia que narra este acertado cómic Groenlandia Manhattan, de Chloé Cruchaudet, en el que se plantea  el problema de la identidad cultural de los pueblos y del desarraigo de las personas que viven o han vivido entre dos mundos de carácter tan extremo.

Con una narrativa ágil y unos dibujos muy acertados, Chloé Cruchaudet nos narra la peripecia vital no sólo de Minik, sino de toda su familia, que fue trasladada hasta la civilización por el explorador Robert Peary, que tras haber revindicado el haber sido la primera persona en llegar al Polo Norte, el 6 de abril de 1909, y recibir grandes honores y prestigio por ello, fue posteriormente muy criticado y se dudó de su afirmación. Pero lo importante en la historia de este cómic es el choque que sufren Minik y su familia en un entorno tan diferente al suyo, en el que son estudiados, expuestos, mostrados y zarandeados por la opinión pública, hasta que todos los miembros de la familia caen enfermos y mueren, dejando al niño sólo en el mundo.

Minik comienza a sentir el desarraigo propio de los que no son iguales  a los demás y se sienten observados en cada momento de su vida., así que decide volver a su pueblo, donde comienza a vivir como un esquimal, pero la contaminación de las comodidades de la civilización han hecho mella en él y finalmente se cansa de sentirse siempre fuera de lugar, como dice el mismo “el esquimal americano” o “el americano esquimal”, dependiendo de en qué lugar del mundo se encuentre. Una historia desgarradora que muestra las secuelas del colonialismo y del desarraigo de las culturas ancestrales en un mundo civilizado, mostrando de lo que el ser humano ha sido capaz de degradar a otros para conseguir un beneficio propio, todo ello con final profundo y perfecto, para una historia sin final feliz.

Más información:

Pince a Linge Blog de  Chloé Cruchaudet (en francés)

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Groenlandia Manhattan, de Chloé Cruchaudet en Metropolis Libros

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Porque las tres obras: Prototipo, Arquetipo y el que nos ocupa, Antitipo, son en su conjunto e individualmente una revisión irreverente, irónica, inteligente y acertada de la Biblia, vista desde la perspectiva de un autor homosexual, que denuncia con su vista certera las absurdidades de la religión católica a través de la relectura de sus pasajes más memorables. En este Antitipo, el personaje central es Pablo de Tarso, el fundador de la iglesia tal como la conocemos hoy en día y cuyo periplo vital es recorrido por Ralf König para conseguir mostrarnos la naturaleza de este personaje cuyas ideas han perdurado en la iglesia católica  hasta nuestros días.

Haciendo gala de una documentación intensa y profunda, basándose en los escritos del propio Pablo y en ensayos sobre su figura,  destripa la absurda manera en que un hombre cualquiera hizo crecer de la nada una religión según la entendía él. Divertido, irreverente e ilustrativo.

Otras opiniones:

Antitipo, de Ralf König en Lo que leo

Más información:

Antitipo, de Ralf König en rtve.es

Ralf König en Wikipedia

Web de Ralf König (en alemán)

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Antitipo, de Ralf König en Metropolis Libros

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Sin duda alguna las adaptaciones de libros al cine dejan siempre un regusto amargo a quien previamente ha leído la obra original y creo que esa misma desazón se produce en estas adaptaciones a la inversa, en las que la obra original es una película y el libro o la novela gráfica la adaptación. El lector se da cuenta de que falta algo. Lo mismo le sucedía a la novela gráfica basada en la magnífica película Vals con Bashir, que le falta algo, un nosequé que se queda pegado en las páginas para dar la nota.

Y en esta ocasión es evidente que una adaptación en papel de una película basada en la música y en el mundo musical no puede contar la misma historia que su hermana mayor del celuloide. Le falta garra a esta novela gráfica en la que destaca por encima de todo el dibujo de Mariscal y su maravillosa recreación de La Habana, pero en la que la historia no aporta nada nuevo a unos personajes y a unos acontecimientos ya vistos en anteriores obras: el amor-desamor entre un músico truhán y una cantante que termina siendo una estrella. Seguro que la película es mucho mejor.

Otras opiniones:

Chico & Rita, de Javier Mariscal y Fernando Trueba en Ratón de comicteca

Más información:

Web oficial de la película Chico & Rita

Web de Fernando Trueba

Web de Javier Mariscal

Chico & Rita en que.es

Chico&Rita en soscultura.com

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Los que lean habitualmente este blog conocerán mi afición por leer todo (ó casi todo) lo que llega a la librería sobre el holocausto judío, y mucho más si se trata de una obra en formato novela gráfica ó cómic, como es este Prisionero en Mauthausen del dibujante Toni Carbos y del escritor Javier Cosnava. A estas alturas de la historia, con tanta obra en todo tipo de formato que analiza desde diversos puntos de vista ese terrible episodio de la historia mundial, hay muy pocas cosas nuevas que contar y muy poco diferente que mostrar, y esa es una de las pegas de esta ambiciosa obra que se queda corta frente a lo que quiere transmitir.

Porque lo que leemos ya lo hemos leído muchas veces, porque las situaciones no son nuevas ni están enfocadas desde un punto de vista original, porque los textos son rimbombantes y vacíos, porque ni el dibujante ni el guionista nos hacen entender los motivos del personaje principal, Juan Plamcambó, para traicionar a la primera de cambio a su amigo del alma Miguel Hernando, porque los diálogos son terriblemente impostados, porque no hay nada nuevo que no sepamos en  las páginas de esta obra.

Lo que sí se puede destacar es el trabajo gráfico de Toni Carbos, que utilizando un trazo grueso y basándose en toda la gama de los grises, los ocres y los azules, nos sorprende con páginas muy trabajadas, cómo la propia portada y otras en la que la soledad del personaje se hace palpable gracias al espacio y a la perspectiva utilizada. Una pena que una obra en la que se ha invertido tanto trabajo se quede tan pequeñita.

Otras opiniones:

Prisionero en Mauthausen, de Carbos y Cosnava en suite101.net

Más información:

Prisionero en Mauthausen, de Carbos y Cosnava en Más que libros

Web de Javier Cosnava

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Distinguiendo el pasado y el presente mediante la utilización diferenciada del blanco y negro y del color respectivamente, Miriam Katin, en aquella época una niña pequeña, recuerda gracias a lo narrado por su propia madre y a las cartas de la correspondencia entre sus padres que logró conservar tras la guerra, el periplo vital que les llevó a ella y a su madre a ser fugitivas entre 1944 y 1945 por la ocupada Hungría, huyendo de la persecución nazi. Un terrible viaje que les llevó de un lado a otro del país, encontrando en su azaroso camino tanto a gente buena que les ayudó, como a gente mala que buscó su perdición.

Todo ello contado todo desde la infantil perspectiva de Miriam que, utilizando un estilo inocente en su dibujo que choca con los terribles acontecimientos  narrados, consigue que nos preguntemos, igual que aquella pequeña niña que no entendía nada de lo que estaba viviendo, cómo fue posible que sucediera algo tan terrible y que eso lo provocaran los propios seres humanos. Una obra conmovedora que nos da otra visión de la persecución de los judíos por parte del régimen nazi.

Otras opiniones:

Por nuestra cuenta de Miriam Katin en El coleccionista de tebeos

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Al igual que El arte de volar de Kim y Antonio Altarriba, el último Premio Nacional de Cómic, esta novela gráfica de Paco Roca ahonda en un pasado relativamente reciente en el que la libertad de expresión era un mito, la censura campaba a sus anchas por todas las expresiones artísticas del país y los dibujantes no eran los dueños de los personajes que ellos mismo habían creado. Un pasado que no hay que olvidar y que cambió gracias a aquella lucha iniciada por unos soñadores, consiguiendo que el mundo del cómic español sea lo que es ahora.

Pero no hay que engañarse, la historia de “El invierno del dibujante” no habla sólo de dibujantes de cómics, sino que habla de la necesidad de luchar por un sueño, de la búsqueda de la libertad, de la consecución de los derechos de los artistas, de una España convulsa y de una sociedad que empezaba a despertar. Todo ello con un estilo limpio y sin grandes aspavientos, con un medido tempo que nos envuelve, con unos diálogos pausados y acertados que nos retratan a cada uno de los personajes con unas pocas palabras y en definitiva con un estilo maravilloso que hace honor a un autor que ha alcanzado la madurez definitiva en una obra que no se puede dejar de leer.

Otras opiniones:

El invierno del dibujante de Paco Roca en Kozmicbooks

El invierno del dibujante de Paco Roca en La cárcel de papel

El invierno del dibujante de Paco Roca en Un tebeo con otro nombre

Obras nombradas:

Arrugas, de Paco Roca

Las calles de arena, de Paco Roca

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Siendo bastante fiel al texto de Melville y tomando del mismo los pasajes fundamentales de la obra, Jean Rouaud consigue no desmerecer en nada al original, tratando la atmosfera de la novela con un cuidado exquisito y un respeto a los personajes que llega a su máxima expresión con la aparición del capitán Ahab, verdadero eje de la obra. A ello contribuye, y de una excelente manera, las apropiadas ilustraciones de Denis Deprez, que con esta obra ha logrado un reconocimiento internacional llevando a cabo exposiciones en diversos países, que logra, con un abigarrado estilo, transmitir la suciedad y la crueldad de la vida en un ballenero típico del siglo XIX como es el “Pequod”, y el terror que provocaba a aquellos expertos marineros la fuerza desatada del mar y los misterios y monstruos que encerraba.

Y por encima de todo consiguen ambos transmitirnos la loca obsesión del capitán por atrapar a la ballena blanca, cuya interpretación simbólica sigue quedando a manos del lector, al igual que en la obra original, y cuyo trágico final se intuye desde la primera página de la novela gráfica.

Otras opiniones:

Moby Dick, de Jean Rouaud y Denis Deprez en Cine Archivo

Más información:

Moby-Dick en Wikipedia

Les insulaires Blog de Denis Deprez (en francés)

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Y es que el principal problema de esta obra es precisamente que Martin Lemelman es ilustrador, no es un narrador gráfico y esa característica propia de los ilustradores de no utilizar los dibujos narrativamente sino como simples acompañamientos de lo que se cuenta con palabras, lastra la obra de una pesadez extrema, porque se convierte en una sucesión de desgracias narradas por la voz de su madre y otros miembros de su familia, acompañadas por exactas y preciosistas ilustraciones a carboncillo de los personajes que aparecen en la narración, pero simplemente acompañando los hechos que se cuentan, no actuando ellos mismos. Y eso claro, durante unas cuantas páginas se puede digerir, pero ya cuando ves que la obra va a continuar igual durante las 225 paginas que tiene pues te desesperas.

Una obra con una muy buena intención pero cuya forma final deja mucho que desear ya que carece absolutamente de emoción narrativa y es una verdadera pena, porque la terrible historia de la madre de Martin Lendelmal no se merece un desarrollo tan pobre y plano. Cómic o libro ilustrado abandonado. El primero.

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Web oficial de La hija de Mendel, de Martin Lemelman (en inglés)

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Así Carlos Trillo nos narra la historia de Elvio Guastavino, un pobre hombre marcado por la terrible presencia en su infancia de su padre, uno de los más crueles torturadores argentinos, que practicaba sus fechorías con muñecas para luego llevarse el trabajo real  a casa e intentar que su hijo le sucediera en sus villanías. Esas imágenes terribles se quedaron grabadas a fuego en la mente del pequeño Elvio que, una vez ya hombre adulto, sólo acierta a relacionarse satisfactoriamente con su amada muñeca Luisita, una muñeca antigua de porcelana con la que pretende casarse. 

Poco a poco la trama se complica y comenzamos a descubrir, al mismo tiempo que nuestro desgraciado protagonista, el verdadero pasado de Elvio, una realidad oculta que   empieza a crecer en su interior terminando de mezclar realidad y ficción en una macabra danza de recuerdos y realidades. Los terribles hechos narrados se suavizan ligeramente con el dibujo caricaturesco y con tendencia humorística de Lucas Varela, que nos muestra la realidad de Elvio con unos trazos más infantiles para poder leerlo y entenderlo sin que nuestras entrañas se disuelvan en el horror que se muestra. Una obra original con mucho fondo por detrás. 

Otras opiniones: 

La herencia del coronel, de Carlos Trillo y Lucas Varela en Banda Diseñada

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La historia se desarrolla durante un día de mercado, cuando Mendleman debe ir al lejano zoco a vender sus artesanales alfombras, esas alfombras en las que refleja su mundo, mediante las cuales cuenta sus historias y en las que plasma su personalidad, unas alfombras creadas en su amado telar en el que teje y teje sin parar los continuos diseños que le rondan en la cabeza, pero, por encima de todo, unas alfombras  con las que se gana la vida.

Pero ya antes del  amanecer los malos pensamientos le acometen  mientras se revuelve en la cama, inquieto no sólo por su pesado viaje y la emoción de la posible venta, sino porque va a ser padre por primera vez y esa responsabilidad le pesa más que otra cosa.

Y sus malos presagios se cumplen cuando llega al mercado a ofrecer sus alfombras al tendero de siempre y es su lugar se encuentra a su yerno, que no aprecia la calidad de su trabajo y con el que finalmente no llega a ningún acuerdo. A partir de ese momento Mendleman ve su futuro más negro a cada momento que pasa y todos sus intentos por encontrar una salida digna para su amada mercancía resultan completamente banas.

Un cómic muy bien narrado, con un dibujo  fluido y realista, marcado por unos tonos marrones y negros que  casan perfectamente con esta terrible metáfora sobre la imposibilidad de convivencia entre la creatividad independiente y las impersonales fuerzas del mercado.

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Día de mercado, de James Sturm en Sigue al conejo blanco

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James Stum en Cultura Impopular

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Porque esta extensa y profunda novela gráfica no trata únicamente del despertar homosexual de nuestro personaje (alter ego del autor) Toland Polk, sino de las luchas sociales que tuvieron lugar en la sociedad americana por la casi imposible integración de los negros en un tiempo en el que lo normal era dejar a un lado a la gente de color, situación mantenida, fomentada y permitida por todos y cada uno de los elementos de la sociedad.

A través de los recuerdos de Toland nos empapamos de la situación política de aquella América convulsa, de los movimientos sociales que buscaban la integración racial de los negros y de los homosexuales, y del largo proceso de su toma de conciencia como homosexual, tras una adolescencia y juventud en que luchó hasta la saciedad por reprimir su propia naturaleza.

Una obra que recibió el premio Eisner de 1996 a la Mejor Novela Gráfica y el premio Harvey del mismo año en la misma categoría, que ganó el Premio de la Crítica del Festival de Angouleme y el Premio a la Mejor Novela Gráfica en los Premios Cómic Art del Reino Unido, además de otros muchos premios y nominaciones. Una obra que nos muestra lo mucho que ha avanzado nuestra sociedad en pocos años y cómo, quién, cuándo y dónde comenzó el proceso de cambio que hace que hoy las minorías tengan una situación de mayor igualdad en nuestra sociedad.

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Stuck Rubber Baby (Mundos Diferentes), de Howard Cruse en Entrecomics

Stuck Rubber Baby (Mundos Diferentes), de Howard Cruse en La cárcel de papel

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La historia de Antonio Antonio Altarriba (padre) no difiere de la de otros muchos españoles que lucharon en el bando republicano y vagaron posteriormente en el exilio sin encontrar su lugar en el mundo, españoles desterrados que se vieron inmersos en la II Guerra Mundial, defendiendo unos ideales perdidos, y que regresaron por fin a la España de Franco con el ánimo reventado, las ilusiones abandonadas y el estómago repleto de hambre.

Pero aunque no sea una historia original en su argumento, la mano maestra de Antonio Altarriba (hijo) pone en palabras y Kim en imágenes, una historia particular donde las reflexiones traspasan las fronteras de lo individual para convertirse en pensamientos universales, pero sin perder la personalidad propia del narrador, un hombre fiel a sus convicciones que termina derrotado por la realidad. La profundidad que consiguen guionista y dibujante es tal, que los hechos quedan impregnados en el lector, incapaz de abandonar la lectura una vez iniciada la aventura de la vida de Antonio Altarriba y sus desgraciadas circunstancias.

Una novela gráfica que cumple todas las expectativas de cualquier exigente lector de tebeos, que logra llegar al alma y al corazón con una historia particular de carácter universal a través de un narrador certero y sentido y un dibujo acertado y fiel a la época, En definitiva, una narración perfecta que nos hace comprender las razones del suicidio del padre de Antonio Altarriba y nos acerca a un generación que luchó por unos ideales que hoy por hoy nos quedan demasiado lejos a los que vivimos inmersos en la sociedad del siglo XXI. Tal vez por eso se suicidó Antonio Altarriba (padre). Si queréis saberlo, no dejéis de leerlo.

Más información:

Web de Antonio Altarriba

Entrevista a Kim en Tebeosfera

Lo mejor publicado en el 2009 según La cárcel de papel

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Reedición de El faro, una de las obras más personales de Paco Roca, en la que narra la historia de Francisco, un joven carabinero republicano de diecisiete años que intenta cruzar la frontera francesa para ponerse a salvo, en su huida llega hasta un viejo faro perdido donde Telmo, el anciano farero, le dará cobijo. A través de la fantasía y de la ilusión con la que inicia cada nuevo día, el farero conseguirá que Francisco recupere sus sueños y sus ganas de vivir.

Una sencilla historia que engancha fácilmente y que recuerda a los planteamientos de Las calles de arena, teniendo como ventaja frente a esta obra posterior la inocencia y sencillez del argumento y la contención en las referencias bibliográficas que favorece la lectura y hace que la historia de Francisco llega con mayor intensidad al lector.

Esta reedición incluye material adicional con dibujos a lápiz, fotos, diseños, bocetos, un prólogo escrito por el torrero Enrique Luzuriaga y un interesante epílogo del autor en el que explica su intensa necesidad de retocar los álbumes en sus reediciones, incapaz de dejar la obra tal como está, buscando siempre la perfección y la corrección de aquellas cosas que no le gustan o no cuadran.

En el caso de El faro los retoques afectan a la reescritura de alguno de los diálogos, proceso habitual que sigue el autor antes de entregar cada álbum para intentar atar los cabos sueltos, algún retoque de viñeta, y una nueva portada mucho más intensa y espectacular que la original, resultando una obra personal, íntima y sugerente sobre un faro abandonado y un farero sin faro.

Otras opiniones:

El faro en Para historias colores

El faro de Paco Roca en tebeosfera

Más información:

Nota de prensa sobre la reedición de El faro en EPA

Web de Paco Roca

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Tal vez el conocimiento previo de la odisea del Endurance a través del libro de Caroline Alexander haya provocado que mi satisfacción al respecto de la novela gráfica se quede muy por debajo de lo esperado. La historia en sí es tan fascinante, tan emocionante, tan auténtica y tan terrible que hubiera necesitado más profundidad en unos personajes deslavados que aparecen y desaparecen de las viñetas sin aportarme nada nuevo, un Shackleton al que terminé por casi odiar ante tanta rectitud y tan poco sentimiento, una sucesión de acontecimientos desgraciados que parecen pasar por los personajes sin afectarles lo más mínimo…

En fin, reconozco que esperaba grandes cosas de este cómic y seguramente a todos aquellos que desconozcan la odisea del Endurance la obra  les parecerá mucho mejor e incluso les hará disfrutar, pero para mí el cómic se queda en un buen intento, muy logrado gráficamente en cuanto a la composición de las páginas, ligeramente más flojo en la caracterización de los personajes  que cuesta a veces distinguir, y sobre todo, falto de un guión profundo que nos haga comprender la tremenda odisea de unos hombres valientes que sobrevivieron frente a todas las adversidades de una aventura increíble.

Como muestra, las diversas opiniones que he encontrado por la red:

Otras opiniones:

Endurance de Luis Bustos en Donde todo se acaba

Endurance de Luis Bustos en Soy leyenda

Endurance de Luis Bustos en La cárcel de papel

Endurance de Luis Bustos en 48 páginas

Más información:

Galería de Luis Bustos en Flickr

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Este pequeño pero intenso cómic se compone de un conjunto de recuerdos de la infancia y la adolescencia de la autora en Beirut hasta que se marchó del país en 2006, en el se desgranan detalles cotidianos de la supervivencia en una sociedad destruida y acostumbrada a las bombas. Para contarnos estos pequeños detalles la autora utiliza simbolistas viñetas que no dejan de recordar a Persépolis de Marjane Satrapi, pero en cuyo dibujo existe más geometría y juegos visuales que en la obra de la iraní. La estructura es simple pero efectiva, utilizando la fórmula “Me acuerdo de …” Zeina nos cuenta, a veces con una sola y expresiva viñeta un recuerdo, o lo alarga durante dos o tres páginas (no muchas más) para desgranarnos con más detalle los sentimientos del momento, sea este alegre, triste, curioso o simplemente cotidiano.

Destaca por encima de todo el humor que desprende en muchos de sus recuerdos, ese humor necesario para sobrevivir en un mundo hostil, ejemplificado con la secuencia dedicada al arreglo del parabrisas del coche de su madre ó de la cantidad de avituallamiento que se cargaba en el coche cada vez que se quería hacer un recado, porque cualquier movimiento en una ciudad en guerra podía significar horas y horas dentro del coche.

Con un dibujo expresivo y simbólico, con un impactante juego de luces en blanco y negro, Zeina Abirached logra una intensidad única narrándonos la cotidianeidad de la guerra, sus miedos, sus angustias, sus triunfos, sus pequeñas miserias, sus escasas pero intensas alegrías y sobre todo ese afán de supervivencia de todo ser humano ante un entorno oscuro, en el que cualquier detalle que otorgue un rayo de luz al día a día es un celebrado milagro.

Otras opiniones:

Me acuerdo. Beirut de Zeina Abirached en La cárcel de papel

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Zeina Abirached en Sins Entido

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El planteamiento inicial de la obra es realmente bueno, las primeras páginas del cómic, con el sueño del amigo de Ari, Boaz, que se ve perseguido por los fantasmas vengadores de los perros a los que mató en la guerra del Líbano, es impactante y conmovedora.  A raíz de este encuentro con su amigo,  Ari comienza a recordar pequeños fragmentos de aquellos momentos de su vida, incomprensiblemente borrados de su memoria.

La búsqueda de Ari nos lleva a conocer a diferentes personas que estuvieron presentes junto a él en aquellos días, soldados de ayer y personas de a pie hoy, que en su mayor parte tampoco son capaces de recordar gran cosa, bloqueados, al igual que nuestro protagonista, por los impactantes momentos vividos. Pero Ari sigue tirando del pequeño hilo de los recuerdos, saltando de un personaje a otro, de una entrevista a otra, de un fragmento del pasado a otro, tras el recuerdo esquivo que le despeje la realidad, asustado ante la posibilidad de descubrir algo de si mismo que no le guste, pero convencido de la necesidad de resolver el enigma y enfrentarse con la realidad.

Pocos de los que se cruza en su búsqueda son capaces de darle algún dato, pero no ceja en su empeño y por fin encuentra la respuesta a su pregunta, descubre el papel que jugó durante la masacre de refugiados palestinos en Sabra y Chatila en 1982 a manos de los falangistas cristianos, y el verdadero porqué del bloqueo de su memoria a ese momento crucial de su pasado.

La obra es, tanto gráficamente como narrativamente, impactante, cruda y muy, muy real.  Tal vez se le puede achacar que las transiciones del pasado al presente, que seguro que en la película se realizan fantásticamente, en el cómic resultan atropelladas, provocando que los descubrimientos de Ari nos pasen a veces desapercibidos, sin un clímax claro que ilumine nuestra comprensión de la historia. Aún así es una obra fantástica que desprende anti-belicismo, humanismo y nos muestra hasta donde es capaz de llegar la capacidad de supervivencia del ser humano frente a los recuerdos incómodos y a las realidades que nuestro subconsciente nos oculta, para que podamos seguir, como si realmente nada importante hubiera pasado, con nuestra vida.

Más información:

Ari Folman en Wikipedia

Web de David Polonsky (ingles)

La guerra  de Líbano en Wikipedia

La masacre de Sabra y Chatila en Wikipedia

Información sobre la película:

Blog de Vals con Bashir de Golem

Vals con Bashir en Ochoymedio.info

Vals con Bashir en Blog de cine

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La acción del cómic se sitúa en Budapest en 1947, en los días previos a la declaración del estado de Israel, donde seguimos los pasos del joven Yechezkel Damjanich que decide emigrar a Jerusalén donde su tío Yosef regenta el Café Budapest pretendiendo encontrar una vida mejor que la que se le ofrece a un violinista judío en la machacada Hungria post-bélica, donde el futuro  no se prevé muy halagüeño.

El Café Budapest es un lugar donde se mezclan, charlan, se aman y discuten todas las nacionalidades y religiones que conviven en la Ciudad Santa, y allí el joven Chaskel (como le llama familiarmente el tío Yosef) encuentra una familia y el amor… hasta que los grandes mandatarios internacionales deciden que Israel se convierta en un estado.

Con un grafismo cercano a la caricatura pero sin perder el realismo, Alfonso Zapico  nos introduce con pulso firme en la trayectoria vital de unos personajes que se hacen cercanos desde la primera viñeta, de los que sentimos sus dudas, sus sueños, sus recuerdos y sus amores. Nos azoramos con las primeras miradas entre  Chaskel y Yaiza, nos emocionamos con las notas invisibles que emite el violín de Chaskel junto con el violonchelo del árabe doctor Hassan en un mágico concierto inter-religioso, se nos atenaza la garganta al escuchar la historia de la madre de Chaskel en Auschwitz, y temblamos ante las previsibles rupturas de las amistades inter-raciales y las inevitables venganzas entre los unos y los otros.

Alfonso Zapico logra como pocos implicarnos en una historia llena de sentimientos y de profundas reflexiones sobre la condición humana, las guerras, las religiones y los verdaderos dioses, con una historia sencilla y muy fácil de leer,  llena de grandes y deliciosos momentos.

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La obra traza un paralelismo entre aquel tremendo horror vivido por la comunidad judía y las fosas comunes encontradas en Srebrenica donde están enterrados 7.000 musulmanes, presentándonos de una manera cruda y tal vez excesivamente realista unos hechos que deberían avergonzar a cualquier ser humano, pero que desgraciadamente , se vuelven a repetir en diversas partes del mundo.

La realidad narrada en el cómic no nos es desconocida, las atrocidades no nos resultan ni tan siquiera tan atroces porque ya sabemos que sucedieron, lo sabemos por películas como La lista de Schindler ó El pianista que ya nos mostraron cómo era la vida de los campos de exterminio alemanes, pero la atmósfera que crea Pascal Croci es, tal vez, más real y angustiosa que las imágenes de seres humanos reales. Los judíos con sus caras completamente desencajadas, los ojos desorbitados, las ojeras oscuras rodeando unos ojos huidizos y temerosos, la saturación de personajes en cada viñeta que parecen no tener espacio vital para vivir, como sucedía en realidad en los campos, la indefinición de los fondos que nos sitúa en un lugar árido, gris, sin forma, neblinoso, opaco y opresor, la igualdad de representación de los prisioneros judíos que despersonaliza a cada individuo para reducirlo a un número dentro de un conjunto, todo ello contribuye a que este cómic sea tan real como una bofetada a tu conciencia.

También el hecho de que el guión se base en testimonios reales de personas a los que el autor entrevistó para la realización del álbum, personas reales como tú y como yo que sobrevivieron a esos horrores, contribuyen a restregarnos por la cara unos hechos que hieren la sensibilidad de cualquier persona.

El álbum no está exento de errores, como el histrionismo en la gestualidad de todos los personajes, la falta de diferenciación de los rostros que dificulta el seguimiento de la historia, la falta de profundización en los protagonistas de la historia, Cessia y Kazik que ya en la primera página se alejan conscientemente de nosotros con una presentación escueta que tan siquiera nos hace fijarnos en sus rostros, para vernos envueltos de repente, al pasar la página, en el horror de Auschwitz. Me pregunto si ese alejamiento consciente de los personajes es un recurso narrativo del autor que pretende ser más espectador que colaborador, o es un recurso mío como lectora, que me alejo conscientemente para no horrorizarme demasiado y poder seguir viviendo con la conciencia tranquila, para refugiarme inocentemente en la seguridad de que esto que estoy leyendo no se va a volver a repetir en la historia de la humanidad.

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